15 piezas que resumen de forma contundente la indagación artística y personal del artista plástico Ermilo Espinosa, conforman la exposición titulada “Lo exterior de lo interior”, la cual se mostrará hasta el 22 de enero de 2020, en LS/Galería.

De acuerdo con el autor, en las pinturas que componen esta muestra, la cual cuanta con la curaduría de Andrea Zapata, Directora de L/S Galería, se puede atestiguar el interés minucioso por el reflejo de la imagen física de forma casi religiosa, por el cuidado en el detalle visual que prevalece en cada una de las obras.

“Si bien no es objetiva, sí es reconocible por cualquiera: los poros de la piel, cada pestaña, cada lunar, cada accidente de la superficie. Esto es el cuerpo, la representación, la maya, la fachada. Pero todo ese manejo de texturas y colores son el recubrimiento del océano interior, son el vehículo que apoya en el viaje pero el camino está más allá: no en el ojo sino en la mirada, no en la mano sino en el gesto, no en el agua sino en el valor simbólico que propone”, señala Espinosa.

Añade que la sustancia de los retratos hiperrealistas plasmados en óleo sobre tela subyace a la imagen que, a la vez que distrae, atrapa y engulle, hasta lograr un diálogo desde el exterior pero con el interior.

“Lo exterior de lo interior” de Ermilo Espinosa se presentará hasta el 22 de enero de 2020, en L/S Galería, ubicada en Ibsen 32/A-Polanco.

Sobre Ermilo Espinosa

A su corta edad el talento es tal que le ha valido un gran número de reconocimientos, entre ellos la beca a Jóvenes Creadores del Programa de Estímulo a la Creación y el Desarrollo Artístico (PECDA) en 2010 y 2014 la del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) en 2012. Además, el Premio de Adquisición de la V Bienal Nacional de Artes Visuales Yucatán 2011 y el Premio Estatal de la Juventud ese mismo año.

El artista logra captar la esencia de las personas a través de su pintura, retoma el hiperrealismo y lo reinventa gracias a su capacidad técnica y de empatía. Crea la ilusión de una nueva realidad que no es capaz de percibirse a través de una fotografía, provocando el reto de distinguir entre percepción e ilusión al cruzar los límites de nuestra agudeza visual.

LS/GALERÍA

Empezamos en el  año 2000, trabajando con un concepto plural de generaciones y proposiciones estéticas a través de la promoción cultural del arte moderno y contemporáneo.

Desde entonces, la obra de maestros como Arnaldo Coen, Rufino Tamayo, José Luis Cuevas, Pedro Coronel, Francisco Corzas, Rafael Coronel, Juan Soriano, Carlos Mérida, Ricardo Martínez, Gunther Gerzso, Manuel Felguérez, Pedro Friedeberg, Francisco Toledo, entre otros; se ha paseado por las instalaciones de nuestro recinto cultural, ubicado en el corazón de Polanco.

Además, en este espacio, recibimos y albergamos cotidianamente nuevas propuestas de talentos jóvenes como Jesús  Lugo, Patricia Torres, Laura Rosete, Ermilo Espinosa, Cristina Kahlo, entre otros, quienes  se consagran, cada vez más rápido, como maestros del arte moderno  internacional. lsgaleria.com

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La sede del recinto cinematográfico ubicada sobre avenida de los Insurgente Sur, a pocas cuadras del Teatro de los Insurgentes, presentará el primer trabajo del polémico artista callejero británico, Banksy.

Originalmente publicado en 2010, Exit through the gift shop es una especie de documental que, a su vez, cuenta la historia del fotógrafo francés Thierry Guetta y su transformación en el artista callejero Mr. Brainwash.

Esta historia toca de rebote al propio Banksy (hay varios testimonios del artista en la cinta), con quien Guetta mantiene una “relación” de amistad. Según se cuenta en el trabajo, Guetta comenzó como un videoasta y fotógrafo aficionado que captaba todo a su alrededor con su cámara. Parte de esto fue el arte urbano en las calles, donde poco a poco fue conociendo a los artistas, entre ellos al británico anónimo más famoso del mundo de arte callejero.

Luego de conocerlo, trabó amistad con él y fue este quien lo convenció de animarse a intervenir las calles también. Este trayecto y la subsecuente ascensión de Mr. Brainwash al Olimpo de los artistas callejeros de renombre internacional (y que, a ratos, parece una broma ideada por Banksy), es lo que veremos en el documental Exit through the gift shop del creador urbano Banksy en el Autocinema Coyote.

El largometraje se presenta como parte de la programación de Festival Cínica, un evento independiente que por segundo año consecutivo realizará sus actividades en la ciudad de México.

Cuándo: 31 de julio, 21:00
Cuánto: $50 (peatón), $100 (moto) y $290 (automóvil).
Dónde: Av de los Insurgentes Sur 1729, Guadalupe Inn

Más información: www.autocinemacoyote.com/cartelera/D3668C/

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Desde 1955, World Press Photo se ha convertido en la cita obligada del periodismo visual. Hoy en día, este concurso anual atrae a más de 5,000 participantes de 125 países, que en conjunto envían alrededor de 95,000 fotografías.

La edición 2019, está integrada por 140 imágenes y 8 categorías: Temas contemporáneos, Noticias generales, Proyectos a largo plazo, Deportes, Naturaleza, Retratos, Noticias de actualidad y Medio ambiente.

Las historias que importan

La World Press Photo of the Year fue para el fotógrafo corresponsal de Getty Images John Moore. La imagen ganadora de Moore pertenece al trabajo que ha realizado desde hace 10 años sobre la migración y las fronteras. La niña migrante que lloraba en la frontera entre México y Estados Unidos fue realizada mientras el fotógrafo acompañaba a una patrulla fronteriza; ahí estuvo presente cuando la niña de la fotografía fue separada de su madre para que la policía revisara a ésta.

John Moore

Asimismo, el primer proyecto ganador del World Press Photo Story of the Year es del sueco Pieter Ten Hoopen. La caravana migrante retrata de una forma íntima, cercana e innovadora la vida cotidiana de los migrantes centroamericanos que viajan hacia Estados Unidos. Ten Hoopen vivió durante una semana con estos migrantes y logró capturar algunos momentos personales y optimistas de su difícil jornada.

Pieter Ten Hoopen

También hay que destacar a los mexicanos ganadores de esta edición del WPPh: PedroPardo, ganador del tercer lugar en Noticias de actualidad; Yael Martínez, obtuvo el segundo premio de la categoría Proyectos a largo plazo. De igual forma, el venezolano y residente actual de México Alejandro Cegarra fue ganador del tercer lugar de la categoría de Proyectos a largo plazo.

Pedro Pardo

Finalmente, el World Press Photo contará con otras actividades complementarias como conferencias con Babette Warendor, directora de exhibiciones del WPPH; y con los ganadores Pedro Pardo, Yael Martínez y Alejandro Cegarra.

Más información en:

www.worldpressphoto.org

franzmayer.org.mx/

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En la antigua casona de Xicoténcatl, fue inaugurada la exposición “Mente en Movimiento” de la artista Irene Zundel. La obra está elaborada con materiales plásticos y textiles multicolores que cambian de forma en una ilusión óptica.

La muestra refuerza la intención del Senado de la República para ofrecer en su anterior espacio, un abanico de manifestaciones artísticas y culturales de todas las regiones de México, así como propuestas internacionales de vanguardia, dijo el senador Ricardo Monreal Avila.

El presidente de la Junta de Coordinación Política, destacó en su participación, el éxito de la obra de Irene Zundel en Europa y Asia. Agregó que ella es una artista que representa la modernidad, como el espíritu de la creatividad y el ingenio.

“Mente en Movimiento” está integrada por 18 piezas creadas con el material plexiglás, tres instalaciones con textiles y dos en madera. En estas obras, la artista juega con el cinetismo (donde las obras parecen tener movimiento propio) y el arte óptico.

Irene Zundel construye sus conceptualizaciones plásticas a partir de un concepto a primera vista esencial, el “movimiento”. Palabra que implica: desplazamientos, trayectos e incluso itinerarios, refiriéndose al camino transitado durante su proceso creativo. A través de pronunciamientos, procesos y diferentes declaraciones estéticas, Zundel también reflexiona sobre los materiales que elige, los cuales logra manipular a extremos casi imposibles.

Irene Zundel es una artista que explora la vida con diferentes tonos y matices.

Irene Zundel es una artista mexicana que desde los años noventa ha tenido gran presencia en  el mundo del arte. En esa época comienza a exponer de manera individual en galerías, casas de cultura y otros espacios en la Ciudad de México y más tarde en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo en Florencia, Italia. En esta primera etapa artística realiza esculturas en bronce que representan el movimiento, pero también son un reflejo de cómo se sentía la artista en ese momento. Son piezas con mucha melancolía, tristeza y exploración interior, casi la mayoría son monocromáticas en tonos de gris, verde o café.

Irene ha experimentado con diversos materiales a lo largo de su trayectoria, tales  como cera, barro, cerámica, acero, bronce y desde hace dos años con el Plexiglas. Las infinitas posibilidades de este material le han permitido concebir proyectos fascinantes y crear piezas equilibradas, luminosas y coloridas, que mantienen estrechas relaciones con los principios del arte óptico y el arte cinético.

Para el espectador que está de pie ante estas obras, la multiplicidad de colores y luz producen un movimiento virtual. Los variados colores de las piezas con sus sombras y reflejos se trasforman según la posición del espectador.

Irene Zundel es una artista que representa la modernidad, la creatividad y el ingenio y por ello tenerla en las instalaciones de la antigua sede del Senado, abre una posibilidad de disfrutar el arte internacional. La senadora Susana Harp, presidenta de la Comisión de Cultura, destacó la iniciativa de mostrar en un espacio tan emblemático expresiones sensibles y humanas como la cultura, al recorrer la muestra señaló que se sintió identificada con el arte oaxaqueño ya que la muestra de Zundel se encuentra llena de colores.

La mexicana utiliza materiales plásticos, maderas y textiles multicolores que juegan entre sí para crear increíbles espejismos que parecen darle movimiento propio a las obras.

Para lograr este efecto, se basa en la interactividad de los visitantes. Es a partir de nuestros desplazamientos a través del recinto que las piezas se transforman ante nuestros ojos, como si nos encontráramos al interior de un caleidoscopio; demostrando que la artista a perfeccionado la abstracción, la geometría y la iluminación, así como la combinación de materiales, fibras, texturas y colores para crear un arte cinético que transporta al espectador a un mundo de sueños, fantasías y mucho juego.

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Algunos cuadros de Vincent van Gogh son capaces de transmitir a quienes los observan la sensación de turbulencia, es decir, el fenómeno que surge cuando un fluido presenta cambios impredecibles en sus propiedades (velocidad, presión) y se manifiesta como remolinos a diferente escala, en corrientes que pueden ser de agua, aire y hasta en el medio interestelar, afirmó José Luis Aragón Vera, director del Centro de Física Aplicada y Tecnología Avanzada (CFATA).

La hipótesis fue probada hace más de 11 años por ese físico universitario, en colaboración con Gerardo García Naumis, investigador del Instituto de Física (IF); Manuel Torres Hernanz, del Consejo Superior de Investigaciones Científicas, España, y Philip K. Maini, de la Universidad de Oxford, quienes analizaron La noche estrellada, del pintor holandés, y llegaron a la conclusión de que él fue capaz de captar lo esencial de una turbulencia y transmitirlo en su pintura, pero sin saber mucho de este fenómeno físico, que en la actualidad su entendimiento sigue siendo uno de los grandes problemas científicos, subrayó.

En esa época, recordó Aragón Vera, “nos dio tanto gusto haber encontrado la presencia de turbulencias en esa obra y lo dimos a conocer muy pronto a los medios de comunicación; en buena medida, eso frenó su publicación en revistas más importantes”.

Eso se quedó así durante varios años, hasta hace unos meses, cuando una editora de la APS Physics lo contactó para informarle que había salido un artículo de dos científicos australianos que verificaba nuestros resultados. “Lo revisé y, en efecto, divulgaron un análisis de La noche estrellada; pero fueron más lejos que nosotros”, relató.

Inicialmente se pensó que no, porque una pintura es estática y la turbulencia como la vemos los físicos es dinámica, son fluidos, corrientes de aire. Al final, encontramos la solución y fue hacer un análisis de lo que se llama la luminancia del cuadro, que es, por decirlo de forma sencilla, el brillo. En una imagen, la luminancia la determinan los tonos de grises.

La luminancia es importante porque, desde el punto de vista de la biología de la visión, el cerebro separa la información de lo que vemos en color y luminancia, y justamente esta última es la parte más significativa, porque con eso el cerebro es capaz de tener la sensación de tridimensionalidad y movimiento, explicó.

“Esto nos dio mucho gusto, pensamos que el movimiento está en la luminancia y recordamos los trabajos del gran matemático soviético Andréi Kolmogórov, pionero del estudio de la turbulencia, quien caracterizó a un fluido turbulento usando la estadística de las diferencias de velocidad de partículas de un fluido separados por una cierta distancia. Nuestra idea fue hacer lo mismo, pero para las diferencias de luminancia de puntos de una imagen (La noche estrellada, por ejemplo) separados por una cierta distancia.”

Con esa estadística, Kolmogórov demostró que a un fluido turbulento lo caracterizaban ciertas relaciones de escalamiento y nosotros encontramos en el análisis estadístico de la luminancia de La noche estrellada, que las relaciones de escalamiento que predice Kolmogórov también las tiene el cuadro de Van Gogh y ese fue nuestro hallazgo.

“Sobre nuestro planteamiento, los académicos australianos mencionaron que para demostrar fehacientemente que el cuadro es turbulento nos hizo falta realizar un análisis detallado del espectro de potencia. Y tenían razón. Ellos, usando tres canales de colores en vez de luminancias, obtuvieron con detalle los espectros de potencia usando análisis de Fourier y al final nos dieron la razón y confirmaron que efectivamente La noche estrellada es turbulenta”, enfatizó.

Y, reconoció, fueron más allá, porque demostraron que la turbulencia de La noche estrellada, como se infiere del espectro de potencia que calcularon, tiene patrones muy similares a la turbulencia que se observa en las de las nubes moleculares que hay en el espacio, que dan origen a las estrellas.

Al final de cuentas , consideró, “tanto la ciencia como el arte tienen las mismas motivaciones, las mismas preguntas existenciales, pero los métodos son diferentes para tratar de resolver esas dudas, y eventualmente se cruzan y creo que esto fue lo que pasó con este trabajo”.

Gerardo García Naumis, del IF, aseguró que el trabajo de La noche estrellada no es la única colaboración que ha hecho en la que relaciona la ciencia con el arte. “He participado en cuestiones de análisis de textos y de música, porque, en realidad, tanto en el arte como en la ciencia sus inicios tienen como base la observación de la naturaleza; por ejemplo, si se piensa en las danzas prehispánicas de México como lo son las del zopilote o del venado, parten de la observación del comportamiento animal en el mundo natural. La ciencia también parte de ese punto para comprobar sus supuestos o hipótesis”, resaltó.

De modo que, si hablamos de la observación como principio de ambas actividades, no es tan absurdo pensar que hay una conexión, que desde luego no opera a un nivel consciente. Es como manejar, al hacerlo se resuelven ecuaciones de física sin saber de esta disciplina porque hacerlo implica cierta observación de lo que es una dinámica pero se hace de manera inconsciente, puntualizó.

Entonces, resaltó, lo que hicimos en esta investigación fue llevar a un plano mucho más evidente lo que sucede desde el punto de vista de la observación y a partir de ahí se formuló una hipótesis que de alguna manera se pudo llevar a datos.

Desde luego, la turbulencia es un problema abierto e incluso hay una recompensa en dólares para quien logre descifrarlo; sin embargo, también pueden tratarse otros temas como los patrones que ocurren en el cerebro, la percepción, la inteligencia artificial y la cognición, finalizó García Naumis.

Fuente: www.gaceta.unam.mx

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Del 4 de mayo al 22 de septiembre de 2019 se presenta en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC). La muestra incluye algunas de las piezas más emblemáticas del artista, así como otras poco conocidas y otras inéditas.

Desde su llegada a México en 1975, Jan Hendrix es una figura clave en la escena artística del país. Impulsado por una beca del Ministerio Holandés de Asuntos Culturales para trabajar con el paisaje mexicano, el artista produce desde entonces obras inspiradas en la estética de viajero y naturalista, incorporando una compleja trama de experiencias visuales y culturales.

Hendrix construye un puente inesperado entre dos distintas tradiciones de pensamiento sobre la naturaleza: la holandesa y la mexicana. Como artista conceptual, es un elemento clave en la experimentación gráfica; no sólo es un practicante referencial en la búsqueda de posibilidades técnicas y sensibles para la serigrafía, sino también un productor del trabajo de múltiples artistas y transmisor e inventor de amplios repertorios técnicos en relación con el uso de papeles y tintas.

En los últimos años, la obra de Jan Hendrix toma dos grandes direcciones. Crea superficies artísticas para múltiples construcciones y espacios contemporáneos en colaboración con arquitectos, y también produce libros de artista con escritores y poetas como Seamus Heaney, Gabriel García Márquez o Hans van de Waarsenburg. El artista idea sutiles vasos comunicantes entre la cultura visual y la literaria de Holanda y México.

La revisión general de su trabajo, organizada por el MUAC y el Bonnefantenmuseum en Maastricht, será la ocasión para mostrar al público la historia común de sensibilidad entre ambos países.

Esta exposición es la primera retrospectiva de Hendrix, que incluye su investigación técnica y visual sobre las posibilidades contemporáneas de la gráfica. La muestra además presenta la visión que el artista ha construido sobre la importancia de la naturaleza en nuestra memoria social y personal.

Conocer más: muac.unam.mx/exposicion/jan-hendrix

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La exposición va a estar hasta el 14 de julio y la entrada es libre. Además de la exposición de Tina Modotti, vale la pena conocer la antigua casona que alguna vez fue sede del Senado de la República y se está estrenando como recinto cultural.

La presidenta de la Comisión de Cultura, Susana Harp Iturribarria, resaltó que es la primera vez que la antigua sede del Senado abre sus puertas al público en general para exhibir los acervos que no tienen espacios para ser mostrados a la poblacion.

Al corte de listón asistieron, la escritora, periodista y activista, Elena Poniatowska; Lucina Jiménez, directora general del INBAL; Carmen Gaitán, Directora del Munal; David Caliz, curador de la muestra y Bernardo Noval, titular de Casa Nuestra.

La exposición, integrada por 40 fotografías organizadas en cinco núcleos, visibiliza la vida y obra de Tina Modotti (1896-1942). Fue organizada por el Senado de la República, a través de la Jucopo, con la colaboración del Museo Nacional de Arte (Munal) y del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).

Modotti conquistó a la Ciudad de México no sólo por su personalidad. Desde que llegó a nuestro país en 1923, Tina Modotti se interesó por la lucha social. Fue amiga de Diego Rivera, Frida Kahlo y David Alfaro Siqueiros, y ellos la ayudaron a ingresar al Partido Comunista Mexicano en 1921. Obviamente todo esto repercutió en su trabajo como fotógrafa, pues más allá de lo exclusivamente artístico, a Tina le importaba tener un testimonio de la desigualdad urbana a la que se enfrentaba todos los días.

Fue una mujer que se adelantó a su tiempo. Luchó por los derechos de la clase desposeída en varios países que no eran el suyo, pero que acabaron siendo su patria. Tina Modotti es tan mexicana, como su arte.

Como dijo Siqueiros refiriéndose a Tina: “las cualidades materiales de las cosas y objetos que retrata no podrían ser más exactas: lo que es áspero es áspero; lo que es liso es liso; lo que es carne está vivo”.

Y como ella misma dijo: “me considero una fotógrafa y nada más, y si mis fotografías se diferencian de lo generalmente producido en este campo, es que yo precisamente trato de producir, no arte sino fotografías honradas“.

Pero su buen ojo y su sensibilidad hacia diferentes escenas cotidianas es lo que otorga fuerza a cada una de sus tomas; pues, sin ser forzadas, lograban reflejar los sentimientos de las minorías en nuestro país.

Fuente: comunicacion.senado.gob.mx

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Jeff Koons es el “artista vivo más caro del mundo”, luego de que su escultura “Rabbit” fuera subastada en Nueva York por 91.1 millones de dólares. En esta exposición, el artista estadounidense dialoga con el arte del francés Duchamp (1887-1968).

La exposición establece un paralelismo entre las obras de Marcel Duchamp y Jeff Koons —dos de los artistas más influyentes del siglo XX— para abordar conceptos clave sobre los objetos, las mercancías y la relación del artista con la sociedad.

Apariencia desnuda es la primera exposición que muestra en conjunto la obra de estos legendarios artistas. Al poner sus trabajos frente a frente, la exhibición opera como una sala de espejos que refleja, distorsiona y amplifica las semejanzas y diferencias entre los artistas dentro de un complejo “régimen de coincidencias”, para tomar prestada una de las peculiares expresiones de Duchamp.

Más información en: www.fundacionjumex.org

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El primero de mayo no se trabaja en México, la razón: el Día del Trabajo. De hecho, este día es reconocido en la mayoría de los países, pero tiene una gran historia detrás, conócela leyendo este artículo.

Algunos de los logros que se conmemoran este día son: la jornada laborar de ocho horas y los dos días de descanso a la semana. Aunque podemos estar acostumbrados a estas condiciones, la verdad es que se necesitó de mucho esfuerzo por parte de trabajadores del todo el mundo para lograrlo.

Antes de 1886, no había condiciones como éstas en el trabajo. Por ello en 1881, trabajadores de varias partes de Estados Unidos se unieron y formaron la Federación Americana del Trabajo (American Federation Labor, AFL), que involucraba a 17 estados de EE. UU.

El 1º de mayo de cada año se conmemora el Día Internacional del Trabajador en homenaje a los “Mártires de Chicago“, así denominado un grupo de sindicalistas anarquistas que fueron ejecutados en 1886 en Estados Unidos por realizar un reclamo laboral.

El primero de mayo de 1886 acordaron hacer una huelga donde la idea principal era “ocho horas de trabajo, ocho de reposo y ocho de recreación”. 5 mil movimientos laborales se unieron, 190 mil personas protestaron y 150 mil obtuvieron lo que buscaban.

Aunque este día fue bastante bueno, en algunas localidades hubo represión que acabaron con nueve muertes en Milwaukee y enfrentamientos con la policía en Filadelfia, Chicago, Louisville y St. Louis, a estas ciudades pertenecía la mitad de los manifestantes.

En 1889, en el Primer Congreso de la Segunda Internacional Socialista que se celebró en París, se decidió que el primero de mayo sería para conmemorar la solidaridad laboral.

En México también hubo diversas luchas para poder tener condiciones de trabajo dignas. En esta fecha se conmemora a todos esos trabajadores, que hicieron un enorme esfuerzo y hasta dieron sus vidas, para que hoy todos tengamos mejores prestaciones.

Fuente: www.perfil.com

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Ai Weiwei exhibe su mayor readymadehistórico-político: el Salón ancestral de la familia Wang (2015), un templo de madera de la dinastía Ming que registra ladestrucción del patrimonio cultural chinobajo la violencia de la revolución, la pérdida de la sociedad rural tradicional y la comercialización de antigüedades. Esta ruina de cuatrocientos años de edad ejemplifica las complejas negociaciones entre lo nuevo y lo viejo; es también la obra que marcó el periodo de vigilancia constante que el artista sufrió en Beijing tras su detención en 2011, antes de exilarse en Europa.

En 2016, Ai Weiwei visitó México y motivó el inicio de un nuevo proyecto acerca del trauma de la pérdida del futuro.

A través de un documentaly retratos fabricados con piezas de Lego, el artista explora las consecuencias sociales en el caso de los 43 estudiantes de Ayotzinapa, ocurrida entre el 26 y el 27 de septiembre de 2014.

El artista dio a conocer las provocativas obras de arte, con retratos de Legode estudiantes mexicanos, que representan las caras de los 43 alumnos del Colegio de Profesores Rurales de Ayotzinapaque fueron secuestrados y desaparecidos en Iguala, México. Con una muestra de un millón de bloques de Lego, la exposición pretende ser un comentario sobre los casos no resueltos.

Un cronograma de fechas clave, como su desaparición y la publicación de la versión oficial de eventos del gobierno, se ha colocado debajo de los retratos.

El agente de 63 años citó el crimen que “envenena a nuestra sociedad”como un factor motivador detrás de las piezas, dijo a la agencia de noticias Reuters.

También dijo que la utilidad “democrática” de Lego informó la exposición, titulada Reestablishing Memories.

El proyecto apuesta por la construcción de la memoriacomo lazo invisible que nos liga con los ancestros y traza un deber hacia las generaciones que nos suceden.

Ai, uno de los principales artistas contemporáneos del mundo, es bien conocido por sus proyectos cargados de política y las críticas al gobierno chino.

Weiwei, se ha ganado su fama por el activismo constante que forma parte de su arte y el constructo de su personaje, aunque el artista de origen Chino siempre está en la mira, es quizá uno de los creadores contemporáneos a los que vale la pena seguirle la pista.

Su estilo de la tradición artesanal china, la arquitectura y la sátira le ha valido intervenciones en los Juegos Olímpicos, reclusión política y fama viral en las redes sociales.

¡No la dejes pasar!más información sobre la exposición aquí.

Fuente:www.bbc.com

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